lunes, 23 de abril de 2012

HIPERREALISMO:

-El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.

El término hiperrealismo es también aplicable a la escultura y la historieta.
-Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes. 

Nacido en la West-Coast de los Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX, el hiperrealismo se promovió en Europa por la V Documenta (1972) de Kassel y fue confirmado por la exposición que Uldo Kulterman presentó en París bajo ese nombre. 

Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía. 

En América del Norte, donde el pop art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano. Check y Don Eddy nos ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos característicos de la civilización de masas con la misma objetividad de una cámara fotográfica que funciona mecánicamente. De hecho, transfieren a la plástica vivencias adquiridas en la cultura de la imagen.

En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del pop art y se impregna de un lirismo casi surrealista. La obra de Antonio López es el exponente más genial de esta versión del hiperrealismo.

Son importantes representantes de esta tendencia D. Hanson, J.Salt, D. Eddy, C. Clarke, J. de Andrea, J. Harvorth, A. Dworjowitz, C. Bravo., entre otros.

Pintores: Roberto Bernardi 

Roberto Bernardi nació en Todi, Italia en 1974. Sus primeros trabajos datan de medidados de los años ochenta. Y en su juventud se dedicó al estudio de la pintura y técnica pictórica renacentista, las cuales resultaron extremadamente importantes en la realización de su estilo personal. En 1993 se mudó a Roma, donde trabajó como restaurador en la Iglesia de San Francisco de Ripa. Después de esta experiencia, se dedicó a tiempo completo a la creación de sus propios trabajos hiperrealistas. 

http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo

domingo, 22 de abril de 2012

NEOEXPRESIONISMO:

-El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.


En Alemania, el director del museo de AquisgránWolfgang Becker, acuñó el término "Die Neue Wilden" (los Nuevos Salvajes, en referencia a los Salvajes de Franz Marc) para referirse al grupo de pintores que estaban a la cabeza del neoexpresionismo alemán. Algunos de los exponentes más importantes de este movimiento son: Georg BaselitzAnselm KieferPedro SandovalMarkus LüpertzJorge RandoKarl Horst HödickeJörg ImmendorffDieter KriegSigmar PolkeAntonius HöckelmannVolker TannertA. R. Penck y Peter Brötzmann, si bien este último más reconocido en el ámbito de su carrera musical como fundador de la escena libreimprovisadora en europa (con influencias del expresionismo sonoro de Albert Ayler), su trabajo como artista plástico lo destaca en el nacimiento del movimiento Fluxus, en estrecha relación con Nam June Paik, Wolf Vostell, Allan Kaprow, Joshep Beuys... En una segunda generación, destacan los grupos " Heftige Malerei", compuesto por Rainer FettingHelmut MiddendorfBernd Koberling y Salomé (seudónimo de Wolfgang Cihlarz); y "Mülheimer Freiheit", compuesto por Hans Peter AdamskiPeter BömmelsWalter Dahn y Jiří Georg Dokoupil. Estos grupos destacan por su agresividad temática y cromática, con colores fluorescentes y temática frecuentemente sexual.





POP ART:

El Arte Pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, cómics books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las , separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsh de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
-Tuvo su origen a finales de los años 1950 pero tuvo su mayor ímpetu en la década de 1960. Durante este tiempo, los anuncios estadounidenses habían adoptado varios elementos e inflexiones del arte moderno y funcionaban a un nivel muy sofisticado. Consecuentemente, los artistas estadounidenses buscaron estilos dramáticos que distanciaran el arte de los bien designados e inteligentes materiales comerciales. A diferencia del estilo más romántico, sentimental y humorístico de Inglaterra, los artistas estadounidenses produjeron obras de mayor fuerza y agresividad.

La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.

Utiliza mucho la técnica de la subteposición de diferentes elementos tales como la cera, el óleo, la pintura plástica, materiales de desecho, la fotografía y el collage ensamblando todos estas cosas.

Este movimiento se caracteriza por el empleo de imágenes eróticas de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios,comics, objetos culturales "mundanos" y el mundo del cine erótico. Es considerado de los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno. Nació y se desarrolló primero en EEUU (Nueva York fundamentalmente), pero pronto pasó a Europa Occidental. Otras características destacables son: el empleo de imágenes y temas tomadas del mundo de la comunicación de masas aplicadas a las artes visuales. Subraya el valor iconográfico de la sociedad del consumo y el capitalismo. Aquí los objetos dejan de ser únicoss para ser pensados como productos en serie.


CARACTERÍSTICAS

  • Rechazo del Expresionismo abstracto e intento de volver a poner el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual.
  • Formas y figuras a escala natural y ampliada
  • Iconografía estilizante, principalmente formas planas y volumen esquemático.
  • Empelo de imagenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicadas a las artes visuales. 

                               ANDY WARHOL



Andrew Warhola, Jr. (Pittsburgh6 de agosto de 1928 - Nueva York22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pinturacine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.
 Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras comopretenciosasbromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra. 



Andy Warhol utilizó fotografías de gran tamaño, las que servían de base para pinturas al óleo o a la tinta, técnica que permitía la producción en serie de imágenese, realizando alteraciones menores en cada versión. De estas series, se destacan: las fotografías de Marilyn Monroe, Che guevara, Elvis Presley, Mao Tze Tung, y la lata de sopas Campbell.Andy Warhol y sus obras, encontraron eco en los años 60.

Fuentes de Información:


OP ART:

- Es un estilo de arte visual que uso de las ilusiones ópticas.


Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin.


- En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York.


El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958. Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente.


El efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de las figuras que comparten sus contornos; el efecto Moare, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, como vibración y confusión.


CARACTERISTICAS


* Todas sus obras son físicamente estaticas, pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, ubicación, parpadeo o difuminación.
* Creaciones compuestas por patrones de repetición de líneas, cubos y círculos concéntricos, en los que predominaban el blanco y negro y la contraposición de colores complementarios.
* Es una evolución matemática del arte abstracto.

* Se caracteriza por varios aspectos como la ausencia total de movimiento real.
* Se usa la repetición de las formas simples.
* Los colores crean efectos vibrantes. 

* Gran efecto de profundidad.
* Confusión entre fondo y primer plano.

* Hábil uso de las luces y las sombras.
* El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve.
* Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.



                              VICTOR VASARELY


 El autor que quiero destacar es Víctor Vasarely, nació el 9 de abril de 1908 en Hungría. Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto. Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas). 
 La riqueza de sus series de figuras geométricas y el dinamismo de sus obras cinéticas se ha proyectado incluso más allá de los límites del arte. Su obra, con su rigor y coherencia, recoge los retos de la ciencia y las técnicas modernas aplicadas a la actividad artística como una forma superior de conocimiento.

                

Obra que me gusto: "Vega Multi". Busca generar, tal como su nombre lo indica, un efecto óptico, a través de la repetición sistemática de cuadrados y su deformación. Al dilatar el cuadrado base surge una forma convexa; en cambio al encoger el cuadrado base, surge una forma cóncava. Sobre ellos es aplicada una gama cromática basada en colores pasteles, tales como azul, rojo, amarillo y verde, en un fondo negro. Su punto caliente está en el centro de la composición a modo de volumen esférico.


Fuentes:

sábado, 14 de abril de 2012

ARTE ABSTRACTO:


-Arte abstracto es un concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo, que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. La abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural (mimesis); rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.
El concepto de arte abstracto se aplica a muchas y distintas artes visuales: pintura (pintura abstracta), escultura (escultura abstracta) y artes gráficas (artes gráficas abstractas). Su aplicación a otras artes plásticas, como la arquitectura (arquitectura abstracta) o a artes no plásticas (música abstractadanza abstracta o literatura abstracta), es menos evidente, pero existe uso bibliográfico de tales expresiones.
Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real, objetospaisajes,figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, coniluminación y perspectiva). Una obra abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.
El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones (iconografía). El arte abstracto usa un lenguaje visual de formacolor y línea para crear unacomposición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.1
El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la europea se hicieron accesibles y mostraban formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencias y filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época.2
La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial o completa. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. La obra de arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta. La abstracción total no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes. Pero el arte figurativo y el representativo (o realista) a menudo contiene algo de abstracción parcial. Entre los muy diversos movimientos artísticos que personifican una abstracción parcial estarían por ejemplo el fauvismo en el que el color está intencionadamente alterado en relación con la realidad, y el cubismo, que claramente altera las formas de la vida real en los objetos que representa.3 4
Pero la abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a realidades naturales, surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo. Es una de las manifestaciones más significativas del arte delsiglo XX. Este lenguaje se elaboró a partir de las experiencias de vanguardia precedentes. Por un lado, el fauvismo y el expresionismo liberaron el color, lo que derivó hacia la abstracción lírica oinformalismo. Otra vía fue la del cubismo, que hizo hincapié en la conceptualización de la forma y de la composición, lo que llevó a otro tipo de abstracción, las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica son a menudo totalmente abstractas. Por lo tanto, ya desde sus comienzos, el arte abstracto ha tendido hacia dos polos: uno, cuyos orígenes se remontan al fauvismo, es libre y lírico; el otro, inspirándose más en el cubismo, es rigurosamente geométrico.
-Las características del arte abstracto son en general las estructuras y aspectos cromáticos sin preocuparse en representar de forma figurativa, las formas naturales. Siendo así, las obras llamadas abstractas, existen independiente del  mundo real,  de los modelos reales y se preocupa solamente en crear sus propios significados  por medio de un lenguaje visual expresivo, capaz de provocar muchas interpretaciones.
Vale recordar que esa cierta distancia que la abstracción tiene de la realidad no es una regla; ella muchas veces puede ser casi imperceptible, ligera o completa. Las líneas y colores son utilizados para crean composiciones originales, escapando de una perfecta representación.
Ese movimiento artístico se niega a imitar el mundo exterior y se basa solamente en  los pensamientos del artista.
Una obra de arte donde es alterada la forma y el color de maneras evidentes puede ser considerada abstracta. El arte figurativo y el realismo aunque sean movimientos artísticos contrarios a la abstracción, muchas veces tienen algunas de sus características parciales. Podríamos citar, por ejemplo, el “Fauvismo” donde los colores son distintos de la realidad o el “Cubismo” donde las formas no están de acuerdo con la realidad.
OBRA: 'Nocturne in Black and Gold: The falling Rocket'
caracteristicas del arte abstracto, Nocturne in Black and Gold The falling Rocket
Podemos decir que la primera obra considerada abstracta fue “Nocturne in Black and Gold: The falling Rocket” de James McNeill Whistler, donde dio gran énfasis a la sensación visual y no a la representación de los objetos.